LA FAMILIA DE LAS CUERDAS!!!

EL VIOLÍN...

El violín es el más pequeño, y a la vez el más agudo de los instrumentos de cuerda frotada. Se compone de cuatro cuerdas afinadas en las siguientes alturas:

La posición para tocar el violín es apoyando el mismo en el hombro, y sujetándolo contra la barbilla, para lo cual tiene la "barbada".

Se compone de cuatro cuerdas. En los violines antiguos las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser también de metal o de tripa entorchada con aluminio, plata o acero. Asimismo, el arco es una vara estrecha, de curva suave, y construida de madera de palo de brasil de unos 77 cm de largo, y de una cinta de 70 cm formada por entre 100 y 120 crines de cola de caballo.

El violín es el instrumento más barato de su familia, pero también es el que llega a los precios más desorbitados.
Existen violines de diferentes tamaños, para adaptarse a las diferentes personas que lo toquen. Así, un 4/4, es un violín de tamaño stándard para adulto, habiendo también 3/4, 2/4 y 1/4 para los niños.

El violín se lee principalmente en clave de Sol.

En la imagen de la izquierda puedes observar la tesitura del violín.


LA VIOLA...


La viola es un instrumento similar en cuanto a materiales y construcción al violín, pero de mayor tamaño y proporciones más variables. Su sonoridad se sitúa entre los graves del violín y el agudo sonido del violonchelo y el contrabajo. Es considerada como el Contralto o el Tenor Dramático de la familia de las cuerdas.

Las cuerdas de la viola también están afinadas por intervalos de quinta: do, sol, re, la.

Su timbre es muy bello aunque con tinte dulcemente opaco. Su tesitura central es la mejor y la que mejor conserva su verdadero carácter. Al igual que el violín, se sostiene con el brazo izquierdo en posición horizontal, y se apoya su caja armónica de la misma manera que éste, o sea debajo de la barbilla.

El papel de la viola es fundamental en la orquesta ya que da profundidad y apoyo a la armonía, la hace rica y aterciopelada.

Para su lectura musical emplea las claves de do en tercera línea y (cuando las notas son muy agudas), en clave de sol.

Su extensión es de más de tres octavas. Como todos los instrumentos de cuerdas frotadas por el arco, empleando armónicos naturales y artificiales su ámbito es mayor.....







EL VIOLONCHELO (CELLO)


El violonchelo es un instrumento que proviene de la antigua Viola da gamba. Su afinación corresponde a una ocatava más grave que la de la viola, estando sus cuerdas afinadas también por quintas, en las siguientes alturas: Do1 - Sol1 - Re2 - La2. Le corresponde el puesto de registro intermedio entre la Viola y el Contrabajo.

Su estructura y su forma corresponden proporcionalmente a las del violín, aunque, como hemos visto en páginas anteriores, no se tocan de la misma manera. El Violonchelo se apoya en el suelo, y se toca sentado, colocado entre las piernas.

El violoncelo fue en un principio el bajo de la familia de la Viola da braccio. En el siglo XVIII suplantó a la Viola da gamba de registro tenor y se transformó en un instrumento solista.

En la imagen de la derecha puedes observar la tesitura del violonchelo.

Por el registro que tiene, es un instrumento fundamental en las orquestas y en los cuartetos de cuerda, ya que sostiene la base armónica.


EL CONTRABAJO



El contrabajo, el mayor y más profundo miembro de la familia del violín, fué desarrollado en el siglo XVI procedente del violone, la viola contrabajo. Es el instrumento más grave de la familia de la cuerda desde finales del siglo XVI. El término se asoció antiguamente a la tesitura de la voz humana, indicando la voz más baja del hombre.

Dos características de la familia de las violas se encuentran en el diseño del contrabajo 1º: los hombros son más caidos; 2º: la parte posterior del instrumento es más plana. Esto permite al músico, que debe estar de pié o sentado en un taburete alto, alcanzar todo el instrumento y, en particular, poder tocar las notas al final de la tastiera, cerca del puente. Suele utilizarse mucho la técnica del pizzicato.

El contrabajo es un instrumento transpositor y todas las notas escritas suenan una octava más baja.El escribir una octava más alta que el sonido real, es claramente necesario para evitarse líneas adicionales debajo de los pentagramas.

Su uso no se generalizó en la orquesta hasta principios de siglo XVII, cuya función era sonar a la octava inferior del violonchelo ya que su sonido es potente y se oye mejor que otros instrumentos de la época, por ejemplo el clave. Es un instrumento fundamental en la música moderna y el jazz....

EL PIANO

El piano (palabra que en italiano significa "suave", y en este caso es apócope del término original, "pianoforte", que hacía referencia a sus matices suave y fuerte) es uninstrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional, y según la clasificación de Hornbostel-Sachs es un cordófono simple. El músico que toca el piano recibe el nombre de pianista.

Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro, produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, eldulcémele, el clavicordio y el clavecín.

A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más comunes son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza modificando la tensión de las cuerdas de manera que éstas vibren en las frecuencias adecuadas....

EL PIANO ELECTRÓNICO

Es muy parecido al piano normal; lo único diferente es que el sonido proviene de medios de síntesis electrónica....

GENEROS Y SUBGENEROS MUSICALES

Ahora, delinearemos a grandes rasgos el género no docto o popular, aunque la distinción entre ambos no es fácil y la verdad es que la división es más bien con fines de clasificación y estudio, pero la música es una. Nuevamente debemos hacer una distinción, ya que por música popular nos referimos al subgénero del "pop" y también a todos los estilos musicales de tipo más accesible al público en general.

En cuanto al subgénero del pop, aunque siempre ha estado presente en todas las culturas, es en la época más reciente donde se habla de la música pop propiamente tal, masificada por los avances en los medios de comunicación y la reciente globalización. El pop tiene sus raíces en la música folk (estilo moderno con influencias folclóricas tradicionales, como en el caso de Bob Dylan) y la cultura negra; esto sumando a la moda o las tendencias de una época, traducido en melodías simples y pegajosas nos dan como resultado el pop. Destacan para el género en orden cronológico Frank Sinatra, Los Beatles, Carole King, Neil Diamond, Steve Wonder, los Beach Boys, los BeeGees, Billy Joel, Elton John, los Eagles, Michael Jackson, Madonna (por supuesto), Abba y The Police. Los fenómenos más recientes son las Spice girls, los New Kids on the Block, Backstreet Boys, y Britney Spears, todo un icono para las adolescentes.

Un género de música popular que ha tenido importantes influencias en el pop, el jazz y el rock, son los Blues, cuyas raíces se encuentran en los ritmos africanos y las melodías de los "Spirituals" Afro-americanos. No podemos dejar de mencionar a Robert johnson (icono de los Delta Blues, originarios de Misisipi) y a B.B.King, ambos dotados guitarristas. Para los más fanáticos se recomienda la película "Encrucijada" o en inglés "Crossroads", con la música de Johnson y las interpretaciones del guitarrista contemporáneo Steve Vai.

Por otro lado tenemos al jazz, también de raíces africano americanas, considerado la primera forma original de arte desarrollada en los Estados Unidos. Sus características son es uso de notas sincopadas, el "swing" y la improvisación. Puedes encontrar un artículo especialmente dedicado a esta forma en nuestro sitio.

El rock and roll, que aprovechó aportes de todos los géneros mencionados anteriormente fue una verdadera revolución en su época, y cuyos ritmos y variaciones actuales son conocidos simplemente como rock. Se debate sobre la primera grabación "pura" de este género, pero en sus inicio es indiscutible que destacan Bill Halley y sus cometas, el legendario Elvis Presley, Chuck Berry y Little Richard.

Uno de los géneros populares más actuales corresponde a la música electrónica, que tiene sus inicios ligados a el desarrollo del sintetizador, un instrumento que permite la generación de sonidos electrónicos, brindando alternativas más allá de los instrumentos tradicionales. En la década de 1970, músicos como Jean Michel Jarre y Kitaro sentaron las báses para la electrónica de hoy en día, y otros subgéneros como el New Age, por ejemplo. Destaca esta forma orientada al baile en sus versiones como el Tecno, Trance y House.....

En la actualidad la pasión por la música en el ser humano ha sido avivada aún más por medio de una serie de innovaciones tecnológicas. Sin mencionar a los dispositivos de reproducción, la tecnología de almacenamiento ha sufrido una increíble revolución con el desarrollo de la computación y en particular el formato Mp3, que se ha masificado permitiendo a los individuos guardar en computadoras y dispositivos especializados una gran cantidad de obras musicales. Nunca en la historia fue tan fácilmente accesible el arte musical de todos los tiempos para una persona; los efectos de este fenómeno están aún por verse, y es mucho lo que se especula....

Como hemos podido apreciar en este recorrido por el apasionante mundo de la música, esta siempre ha estado con nosotros y lo seguirá estando, ya que es parte inseparable de lo que somos como seres humanos. Además hemos visto que por un lado es atemporal, siempre vigente y válida, y además una representación fidedigna de épocas y sentimientos particulares de la historia.

¿QUE ES LA MUSICA?

Por increíble que parezca, los últimos hallazgos confirman que los conceptos de la armonía (varías notas tocadas a la vez) ya se encontraban presentes en la música prehistórica (por ejemplo la música encontrada en escritura cuneiforme con data de más de 4.000 años en la ciudad da Ur, en Mesopotamia la incorporaba). Durante la prehistoria la música formaba parte de celebraciones y rituales, lo que no difiere mucho de los usos que se le da hoy en día. De hecho, nuestro sistema nervioso es prácticamente el mismo, por lo que aquello que emociona al ser humano es de naturaleza universal.

Las teorías de los antiguos filósofos griegos concuerdan con las especulaciones de los eruditos en la época medieval, definiendo a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodías) y vertical (armonía). Este orden o estructura que deben tener un grupo de sonidos para ser llamados música esta por ejemplo presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo a la última como "música congelada". La mayoría coincide en el aspecto de la estructura, pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable. Para comprender el desarrollo de esta maravillosa forma de arte, exploraremos su evolución en occidente, tanto en su tradición clásica o docta y sus formas populares.

A medida que la cultura se fue desarrollando, algunas formas musicales fueron siendo dominantes, para terminar caracterizando la música de una época determinada. Es asi como de las formas prehistóricas de la música llegamos a la música medieval, a partir del año 476 (caída del imperio romano) hasta el año 1450 (el Renacimiento). La forma más popular en esta época son los famosos cantos gregorianos, solos monofónicos interpretados tradicionalmente por monjes, que incluso gozan de gran popularidad como música cristiana hasta el día de hoy por sus cautivantes y repetitivas melodías que inspiran un aire místico.

Con la llegada del Renacimiento, entre 1450 y el año 1600, se hace común una instrumentación más compleja y se introduce el concepto del bajo como base. Uno de los instrumentos destacados de la época es la viola da gamba (viola de piernas), que siguió siendo utilizada hasta el barroco; este tipo de viola no es como la perteneciente a la familia de los violines (cuyo nombre en realidad es viola da braccio o de brazo), sino que es algo así como una mezcla entre una guitarra (tiene trastes o separaciones) y un violonchelo. Este instrumento se fabricaba en varios tamaños, siendo el bajo el más popular, inmortalizado en la actualidad con la película "Todas las Mañanas del Mundo", sobre el uso de este instrumento en las cortes de Francia.

Luego, entre el año 1600 y 1750 llegamos al barroco, en donde se refina la estructura y sobretodo los "adornos" interpretativos de la música. Es en esta era en donde se populariza y se afianza la opera como forma musical. El órgano a tubos y el clavecín eran norma en los teclados de la época, y las antiguas violas da gamba fueron reemplazadas por los instrumentos de la familia del violín, con un sonido más potente, apto para salones y presentaciones de mayor envergadura. Los músicos destacados son J.S.Bach (como no mencionar su Arte de la Fuga, las Partitas para Violín solo y la Pasión Según San Mateo), George Friederich Händel, Antonio Vivaldi (popular hasta hoy con sus cuatro estaciones) y Claudio Monteverdi.

Avanzando por la línea del tiempo llegamos al período clásico, y en este punto conviene detenernos y aclarar un importante concepto: ¿Qué es la música clásica? Estrictamente, corresponde a la música docta compuesta entre 1730 y 1820, pero el uso común y también aceptado de este nombre es para toda la música docta del barroco en adelante, incluso hasta nuestros días con las composiciones de músicos doctos contemporáneos (por ejemplo John Williams, que lo podemos reconocer en su inolvidable sound track para la Guerra de Las Galaxias, realmente espectacular). En el período clásico (1730-1820) se establecieron muchas convenciones en cuanto e estilo y forma, y en cuanto a los instrumentos utilizados, destaca el favorecimiento del piano (cuyo nombre completo es "piano forte") frente al clavecín. Los músicos infaltables de esta época son Ludwig van Beethoven (en su primera etapa de composiciones) y Wolfgang Amadeus Mozart. Además destacan Joseph Haydn y Muzio Clementi.

Durante el período romántico, entre 1815 y 1910, se definieron con precisión los cánones y técnicas de interpretación, y se formalizaron instituciones para la enseñanza y diseminación de la música por Europa. Para los compositores del período, lo importante era emplear la emoción, los sentimientos y la intuición para expresar las verdades más profundas. Entre los compositores tenemos a Franz Schubert, a Rossini, al increíble pianista Franz Liszt, a Felix Mendelssohn, a Chopin y a Berlioz. Toda una estirpe de impresionante música. Además están Robert Schumann, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, y para los amantes del violín tenemos al mayor prodigio de todos los tiempos, a Niccolo Paganini; tal era la habilidad de este violinista, que se pensaba estaba poseído por fuerzas sobrehumanas.

La música moderna, entre 1905 y 1985, es una consecuencia de la crisis y el rompimiento de los valores tradicionales en las artes, tendencia global caracterizada por la fe en el progreso y la ciencia; la idea es básicamente romper los moldes antiguos y comenzar algo nuevo. La verdad es que la música clásica o docta de este punto en adelante no es tan accesible como la de épocas anteriores, por su aire abstracto y más intelectual. Nombres que podrían sonar al auditor actual son los de Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky (cuya Consagración de la Primavera es bastante popular), Alan Berg y Bela Bartók....

Por último, en lo que es la música docta llegamos a lo que se conoce como música contemporánea, del siglo XX a la actualidad. Como mencionamos, el público general se inclina por los períodos barroco al romántico, por ser más accesibles y "agradables" a la audición. Afortunadamente, como en realidad la buena música nunca pasa de moda podremos disfrutar siempre de recreaciones de las composiciones de estos tiempos pasados.......

EL SINTETIZADOR MUSICAL

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Un sintetizador es un instrumento musical electrónico (o por software) para producir sonido generado artificialmente (o manipularlo), usando técnicas de síntesis aditiva, substractiva, de modulación de frecuencia, de modelado físico o modulación de fase, para crear sonidos. Con esta máquina (real o virtual) se pueden crear nuevos sonidos, así como, reproducir los de los llamados instrumentos musicales “convencionales” conocidos. La forma de la onda generada es alterada en su duración, altura y timbre, mediante el uso de dispositivos tales como: amplificadores, mezcladores, filtros, reverberadores, secuenciadores, retardadores y moduladores de frecuencia…

El primer sintetizador, como tal, apareció en 1955. Fue desarrollado por Olsen y Belar en la Radio Corporation of America (RCA) en Princeton. Estaba destinado a investigar las propiedades del sonido y no a ser un instrumento musical. Varios compositores, gracias a esta herramienta, se interesaron en ampliar las posibilidades de producción de sonidos y en controlar todos los aspectos de la música. Entre ellos destacaron Milton Babbitt, Marion Davido, Morton Subotnik y Charles Wuorinen.

El sintetizador analógico más conocido fue el MOOG MODULAR SYSTEM. Un artilugio aparentemente sencillo (y “transportable”) e indicado hasta para el uso doméstico, que recibió su nombre del ingeniero estadounidense (y músico de formación) Robert Albert Moog (23 de mayo de 1934, 21 de agosto de 2005), quien desarrolló el primer prototipo en 1964. Se manejaba con uno o más teclados. Con este extraordinario artefacto era posible crear un número casi infinito de sonidos y podía imitar cualquier otro instrumento convencional conocido.

El sintetizador tiene la particularidad (cosa que ningún otro instrumento está capacitado) de generar sonidos que superan la capacidad de los instrumentos “convencionales”, tanto armónicos (sonidos musicales de instrumentos acústicos o electrónicos/electromecánicos, gorgoteos, silbidos,...etc.) como inarmónicos (ruidos de máquinas, atmosferas, sonidos de la naturaleza,…etc.) y, a su vez, pudiéndose combinar con los que captan los micrófonos electroacústicos. El resultado obtenido, desde la pura creatividad e imaginación, no tiene parangón.

Además de su utilidad en la composición, los sintetizadores se utilizan para adaptar (e interpretar) música instrumental, como en las conocidas grabaciones de Johann Sebastian Bach que Walter Carlos realizó en 1969 (y hasta el día de hoy). Bandas sonoras (orquestales) para películas, de conocidos compositores/interpretes como Hans Zimmer y Vangelis, han sido íntegramente producidas por sintetizadores. El sintetizador Moog fue seguido por otros de diseño similar de empresas como ARP, Buchla, Putney, Roland, Yamaha,…etc.

Entre 1960 y 1980 se fabricaron aparatos más reducidos y compactos en tamaño que usaban microprocesadores, con lo que se hizo posible la grabación y procesado digital del sonido.

Han utilizado (y se utilizan de forma abrumadora) estos instrumentos tanto músicos de formación clásica como grupos de música pop, rock, folk,…etc.

En la actualidad la tecnología digital, a nivel de la síntesis del sonido, se ha impuesto de forma definitiva.

Santiago Peña

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